Julia Ducournau: “Cuando haces las películas que yo hago, te llaman monstruo” | El país semanal

¿Los perros se parecen a sus dueños? Películas también. Como su nueva película, Julia Ducournau irrumpe como un huracán, dispuesta a destrozarlo todo, sin miedo a lo que acabe llevándose. Solo la Cara Titane, que llegará a los cines el 8 de octubre -antes de pasar por la sección Perlak del Festival de San Sebastián- tras ganar la Palma de Oro de Cannes, para vislumbrar la personalidad frontal del director francés, que en distancias cortas revela jovial pero implacable, tan exuberante como hermético, envuelto en un atuendo negro entre solemne y pícaro. Líder de las filas de un cine de nuevo género que ya ha revolucionado el panorama cinematográfico en su país (y parte en el extranjero), Ducournau realiza una película con una ambición colosal, orgullosa de sus imperfecciones, llena de giros desconcertantes y escenas ultraviolentas, de Los que obligan que apartes la mirada y provoques algún desmayo marginal, convenientemente exagerado por la prensa.

Está protagonizada por un asesino en serie frío como el metal, con una placa de titanio incrustada en el cráneo de un accidente automovilístico que sufrió cuando era niña, y un bombero dopado con esteroides que cree reconocer en su rostro golpeado al hijo por el que había estado tratando de matar. años. encontrar sin éxito. Quiere ser padre a toda costa, aunque sea por autoengaño, mientras ella se aterroriza al descubrir que un ser extraño está creciendo dentro de su útero. Titane Dinamita todos los códigos del género, en todos los sentidos de esa palabra. «En mi película, la feminidad no está donde la esperas, y tampoco la masculinidad», dijo Ducournau a finales de agosto, bebiendo un vaso de vino blanco y ensartando cigarrillos en una terraza parisina, recién regresada de sus vacaciones en una isla griega. . De esa historia abigarrada y excesiva, que incluso incluye una tórrida escena de sexo con un Cadillac (!), Surgirá una historia de amor insólita. «Mis personajes encarnan dos mentiras de las que brota una verdad», resume.

La vida del director de 37 años dio un vuelco una noche de julio cuando Spike leePresidente del jurado de Cannes, anunció por error justo después de la ceremonia de premiación que su película había ganado el premio más importante del festival. “No lo he digerido todavía, es demasiado reciente. Durante el verano he intentado no pensar en ello para conservar la cordura ”, sonríe. 28 años después del neozelandés Jane campion, que ganó el premio a El piano En 1993, Ducournau se convirtió así en la segunda mujer en ganar la Palma de Oro. Y el primero en hacerlo solo, desde Campion lo ganó ex aequo con Chen Kaige por Adiós a mi concubina. “Tenía la sensación de ser parte de un movimiento hacia el futuro, de estar en un tren en movimiento”, recuerda. “Pensé en la tercera mujer, la cuarta y la quinta que recibirán el premio. No sé si Campion tuvo el mismo sentimiento en su día, porque entonces podría parecer que fue solo una excepción. Yo, por otro lado, me sentí como un eslabón más de la cadena. Eso fue lo que más me emocionó ”.

Ducournau luce un tatuaje en la clavícula derecha: la palabra amatista escrita en el alfabeto griego. Lo eligió porque colecciona esa variedad violeta de cuarzo desde pequeña. También porque le apasiona su significado etimológico, traducible como «contra la borrachera». “Los reyes griegos usaban este mineral como amuleto, para evitar que los otros reyes los emborracharan al negociar el poder sobre un territorio”, explica. Esa inscripción en su piel le sirve de antídoto a la embriaguez de los aplausos, como si esperara que nada la desvíe de su rumbo. “En realidad, no creo que haya un solo camino en la vida. En eso soy muy existencialista. Es la experiencia que nos lleva a encontrar nuestra esencia como individuos. Puedes morir sin encontrarlo, pero es esa tensión la que da sentido a tu vida ”, dice Ducournau, como buen tema de Sartre.

Tras el éxito de su debut, Crudo, una historia de canibalismo adolescente descubierto en Cannes hace cinco años, se dio por sentado que emigraría a Hollywood, como lo hicieron tantos jóvenes talentos del cine de género antes que ella. Las ofertas no faltaron, pero prefirió resistirse a esos cantos de sirena y seguir viviendo con su pareja en su apartamento del Marais, ese exclusivo barrio parisino que era judío y gay antes de llenarse de restaurantes, tiendas de moda y galerías de arte. “Me vi a mí mismo solo al comienzo de mi carrera y quería seguir encontrando mi idioma. Sentí que no podía hacerlo en otro lugar que en Francia ”, se justifica. “En mi país, el cine de género sigue siendo un arte nuevo. Hace algunos años que se lleva a cabo una renovación. Preferí participar en la construcción de algo nuevo y ver si una nueva ola era posible antes que ir a un lugar donde ya hay una industria fuerte y una larga tradición ”. Su única incursión en Estados Unidos fue la dirección de los dos primeros capítulos de la serie. Servidor, producido por M. Night Shyamalan, su amigo y seguidor desde que se enamoró de Crudo. Tras el impulso definitivo de la Palma de Oro, ahora prepara su asalto a Hollywood. “Mi base seguirá estando en Francia, pero iré de un lado a otro. Mi próximo largometraje será francés, pero tengo un proyecto de serie en Estados Unidos. También haré una película allí en algún momento, porque tengo ganas. Pero primero debo encontrar buenos compañeros de viaje… ”, apunta. De nada servirá interrogarla sobre esos proyectos. «No voy a decir nada», responde con una sonrisa insuperable.

Su cine se aleja de los postulados de la nouvelle vague, que en algunas entrevistas ha tildado de dogmático -algo parecido a un sacrilegio en la patria de Truffaut y Godard-, pero que sigue apoyándose en la fe ciega en el control creativo, sumada a la ausencia de cualquier complejo de inferioridad con respecto a la estudios todopoderosos. Aun así, también refleja una fascinación permanente por el imaginario estadounidense, no siempre común dentro de una generación, el de los franceses que crecieron en los años ochenta, criados en un antiamericanismo. suave, lo que llevó a algunos intelectuales nacionales a etiquetar la creación de Eurodisney como «Chernobyl Cultural». «Realmente, Robocop, Terminator o Extraterrestre eran nuestras canciones de cuna, aunque había un desprecio algo recalcitrante por esa cultura popular que hoy está por todas partes ”, aclara. “No me inspiran otras tradiciones para romper con los códigos del cine de mi país. Lo que me gusta es mezclar cosas diferentes. Las películas de David Cronenberg y el cine surcoreano me inspiran tanto como el neorrealismo italiano. Quiero que mis proyectos no se atribuyan a una sola nacionalidad o género. Aspiro a hacer un cine mestizo ”.

Se reconoce a sí misma en esa última palabra: es hija de un bretón y un bereber argelino, una doble ascendencia que quizás explique el íntimo sentido de la diferencia que parecen experimentar sus heroínas. Sus padres, ambos médicos, también han influido en su cine, tan lleno de sangrados y prótesis, nutrido por las conversaciones sobre pacientes que escuchaba a la hora de la cena y por los manuales médicos que abundaban en la biblioteca familiar. “Mi padre es dermatólogo y mis películas hablan de cuerpos y piel. Mi madre es ginecóloga y mi cine se centra en la feminidad ”, confirma Ducournau. El oficio de sus padres también la hizo consciente, desde muy joven, de su condición mortal. “A los cuatro años ya sabía lo que era la muerte. Me familiaricé con la idea de finitud a una edad en la que no debería haberme dado cuenta ”, parece lamentar.

Ducournau creció en un barrio privilegiado del centro de París, en una casa donde los clásicos de Hitchcock y Douglas Sirk se veían en VHS por la noche, y estudió en el Louis-le-Grand Lyceum, un centro de élite que era alma mater de Molière, Voltaire, Victor Hugo y Baudelaire, con quienes este amante de la poesía comparte el gusto por el romanticismo de tintes negros. Comenzó sus estudios literarios en La Sorbonne, antes de terminarlos en La Fémis, la gran escuela de cine francesa. Destacó con un par de cortometrajes que la pusieron en el radar de los productores. Y luego con dos largos que desprenden una imagen un tanto espantosa de la familia, donde las hermanas son cómplices pero también rivales, y los padres engendran psicópatas con su deliberada falta de cariño y empatía. «Me llevo bien con mi familia, que siempre me ha apoyado, incluso cuando no fue fácil», corrige Ducournau. “Pero la familia siempre es algo contra lo que se construye. Siempre tiene que haber una ruptura, porque en esa oposición se forja tu devenir. La familia es un mundo lleno de cosas que no se dicen, y estoy feliz de desmantelar esos tabúes. En mi cine me gusta enseñar lo que no se puede enseñar y hablar de lo que está prohibido hablar ”.

A Julia Ducournau le encanta la palabra monstruo, en la que no ve nada peyorativo. “La monstruosidad es una de las experiencias más universales que existen. El monstruo es el tema al que señalamos con el dedo. Yo también me he sentido como un monstruo muchas veces, de muchas maneras. En su vida personal, es imposible sentirse siempre en línea con la norma social, estar donde se supone que debe estar a su edad. Y cuando haces las películas que yo hago, te suelen decir que lo eres, sobre todo si eres mujer ”, responde.

Titane Se puede recordar aquel cine de los ochenta que hablaba de hombres que se convertían en máquinas y de máquinas que se convertían en hombres. El final de su película apunta, sin entrar en detalles, en esa dirección. “Creo en la hibridación, porque siempre me parece positivo. En cada mutación hay una fuerza. El transhumanismo no me asusta ”, dice Ducournau, que aún no ha leído Donna haraway, teórica de la condición cyborg, pero se apresurará a hacerlo ahora que se la cita como una supuesta inspiración en tres de cada cuatro entrevistas. Sus películas describen dolorosos procesos de cambio, de los que sus protagonistas salen magullados, pero también más fuertes. Una reflexión biográfica no es difícil de adivinar. «Sí, es verdad», admite Ducournau con una modestia un tanto grosera, prefiriendo, por primera vez en horas, el silencio a la locuacidad. Después de todo, el titanio es, según la tabla periódica, un metal de transición.